Dans le monde de la mode, la pandémie mondiale a fondamentalement modifié la façon dont l'industrie concevait l'art, le design, la fabrication, le marketing, les ventes et l'esthétique. À quel point les choses ont-elles radicalement changé? Tim Gunn a commencé à porter des pantalons de survêtement.
«J'étais assis dans mon appartement dans mes vêtements de chemise en peluche à lèvre supérieure raide, puis j'ai pensé que c'était ridicule. Je ne suis vraiment pas très à l'aise », me dit Gunn dans un récent Zoom avant la saison 2 de Making the Cut, qui a fait ses débuts ce week-end sur Amazon. « J'ai commencé à porter mon pyjama toute la journée, tous les jours. Puis j'ai pensé, maintenant je me sens vraiment comme un plouc. Je me sens comme Ralph Kramden.
Quand je lui dis que les gens seraient choqués d'entendre que Gunn, l'ancien animateur de Project Runway qui n'a peut-être jamais été vu en public dans un costume avec moins de trois pièces, était, oserais-je dire, se prélassant, il rit et obtient immédiatement défensive.
« Je n'ai jamais quitté mon appartement ! Je vais vous le dire. Je ne descendrais même pas chercher le courrier. Finalement, il est arrivé au point où il est allé au fond de son placard pour trouver les t-shirts et les pantalons de survêtement qu'il porterait à ses cours d'escrime. (Au cas où vous vous demanderiez à quel moment, bénissez son cœur, l'histoire de Gunn pourrait cesser d'être relatable.)
« Je me sentais tellement mieux, dit-il. « Je me sentais mieux physiquement, franchement. Je me sentais mieux psychologiquement, mentalement et émotionnellement. Et je comprends. Je comprends le piège du confort. Maintenant, j'ai de l'empathie pour ça. Avant la pandémie, j'avais un réel mépris pour elle. J'ai pensé, confort, qui se soucie du confort? Si vous voulez du confort, restez au lit.
Tout cela pour dire que la pandémie nous a tous changés d'une manière que nous n'aurions peut-être jamais imaginée et dont nous ne reviendrons peut-être jamais. Si l'on cherchait une doublure argentée à toutes les ténèbres, les nouvelles perspectives et l'ingéniosité qui ont fait irruption dans tant d'industries, en particulier celles comme la mode, sont fascinantes à analyser maintenant que nous commençons à sortir de la caverne du traumatisme.
Gunn et toute l'équipe qui a travaillé sur la série de concours de marque de mode Making the Cut ont pu parler de première main de la façon dont leur industrie a réussi à innover et à continuer à laisser une marque culturelle lorsque les pistes, les maisons de design et les fabricants sont tous venus broyer à une halte.
L'histoire continue
La deuxième saison de Making the Cut, qui a été filmée dans une bulle de production au plus fort de la pandémie, est une chronique émotionnelle des difficultés et des conséquences que les circonstances ont prises sur les entrepreneurs créatifs. Mais cela montre également comment les marques et les détaillants - et, oui, les monolithes en ligne comme Amazon - ont pivoté en temps réel pour faire face à un monde en évolution.
Bien sûr, cela signifiait une modification stressante du tissu même, si vous voulez, de ce qui a fait de Making the Cut un tel succès au départ. "Je dois partager avec vous, j'étais un peu préoccupé par la saison deux." admet Gunn.
Lors de sa première en mars 2020 – mes sincères excuses pour vous avoir déclenché avec ce marqueur de date – Making the Cut était, sans aucun doute, le concours de mode le plus ambitieux et le plus grandiose que le genre de télé-réalité ait jamais vu. Dirigée par les partenaires de Project Runway, Heidi Klum et Gunn – « nous sommes mariés depuis 17 ans … le mariage le plus long que j'aie jamais connu », m'a dit un jour en plaisantant Klum – la série a allumé un feu d'artifice plus éclatant à chaque gimmick successif.
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Les défis et défilés de la série seraient tournés dans le monde entier, de New York à Paris en passant par Tokyo. Les concepteurs seraient chargés de produire une version «accessible» de chaque look pour chaque défi, les vêtements gagnants étant immédiatement disponibles à l'achat sur Amazon à un prix de 100 $ ou moins. Le grand prix : 1 million de dollars à investir dans la marque du créateur. Au-delà de tout cela, l'inclusivité serait primordiale : cela signifie des conceptions fluides, inclusives du corps et durables.
Autant c'était la mode, autant c'était cinématographique. La première saison a été lancée avec un défilé devant la Tour Eiffel qui ferait même Anna Wintour lever les yeux de ses lunettes de soleil avec étonnement. Klum m'a dit que c'était tellement beau que les gens auraient pu soupçonner que c'était un écran vert : "C'est presque comme si je ne pense pas que les gens vont nous croire que cela a été tourné à Paris devant la Tour Eiffel."
Surtout au moment de sa première diffusion, avec le monde piégé à la maison, l'émission était un passeport poignant, emmenant les téléspectateurs dans un fantasme d'évasion où les voyages et le glamour étaient à nouveau possibles. Mais au-delà de cela, même un fan occasionnel de télé-réalité familier avec le format de la scène sonore de la façon dont ces émissions sont généralement filmées a été laissé bouche bée par l'effort de production herculéen requis pour réussir la saison des globe-trotters.
"Je pensais, eh bien, les voyages étaient l'un des moments forts de la première saison, et nous ne pouvons plus voyager", dit Gunn. « Qu'est-ce que ça va être ? Nous allons juste faire le jour de la marmotte, pour ainsi dire, avec chacune de ces missions et défilés de mode se ressemblant tous. »
Ainsi, toute la saison – et toute l’existence de l’équipage et des concurrents sur le plateau pendant la pandémie – est devenue l’application la plus poussée à ce jour du slogan signature de la star. « C’était l’exercice ultime pour ‘faire en sorte que ça marche’. »
Il avoue avoir sous-estimé les prouesses de l'équipe de production. L'équipe de Making the Cut a créé une « bulle de la mode » dans un lieu d'événement à Malibu généralement aménagé pour les mariages et a transformé différentes zones des propriétés.
Il y avait un set de travail, bien sûr. Le défilé de mode en plein air du premier épisode a suspendu des lustres en cristal surdimensionnés entre les arbres imposants qui bordaient la passerelle, comme si le bal de Cendrillon avait eu lieu dans un canyon de Malibu. Pour le défi d'avant-garde, un carnaval démesuré a été érigé, à la fois fantasque et menaçant, comme imaginé par Ryan Murphy lui-même. La piste de l'épisode de mariage moderne a créé l'apparence de mannequins marchant dans l'allée lors d'une cérémonie dans un jardin japonais de conte de fées.
"Quand je suis venu m'asseoir pour le premier épisode et que j'ai vu tous les magnifiques lustres et cette piste la nuit, je veux dire, j'étais terrassé", a déclaré le designer Jeremy Scott. "J'étais comme, eh bien, sainte fumée, c'est incroyable et magnifique et riche."
Si la conception de la production de l'émission est restée sans précédent, donnant l'impression que nous parcourions le monde à partir d'un même lieu de tournage, il existe des différences notables par rapport à la saison deux de Making the Cut. Parmi eux se trouvent les nouveaux juges Scott et le mannequin Winnie Harlow. Contrairement à la saison dernière, qui a vu Naomi Campbell, Nicole Richie, Carine Roitfeld et Joseph Altuzarra tourner dans différents épisodes à travers le monde, en raison des protocoles pandémiques, Scott et Harlow ont jugé toute la saison – une opportunité qu'ils ont savourée.
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"J'ai la chance de pouvoir porter de belles pièces de créateurs et de marques, mais je ne fais pas toujours partie du processus de conception, donc c'était vraiment inspirant de voir cela", a déclaré Harlow, se souvenant d'avoir pensé que la prémisse du spectacle semblait "si futuriste". à elle quand elle en a entendu parler l'année dernière.
Scott se souvient avoir été époustouflé par les différents éléments : le tour du monde, le lien avec Amazon, le prix énorme. "Quand vous me demandez de revenir en arrière et d'y réfléchir, c'est comme si c'était un Rubik's cube de pièces assemblées."
En pensant à Making the Cut comme à cette grande expérience de mode, Gunn s'empresse de souligner le succès, même si l'on considère l'impact que COVID aurait pu avoir sur les opportunités de tremplin que l'émission a offertes aux candidats. Tous les looks achetables se sont vendus en 48 heures sur Amazon, donc la société fait une production à plus grande échelle cette saison.
En fait, de toutes les cloches et de sifflets derrière Making the Cut, c'est l'élément par lequel Scott est le plus époustouflé. "C'est presque comme si vous attrapiez les vêtements de votre écran", dit-il. « C'est tellement futuriste, vraiment. J'aimerais pouvoir montrer ma mode pour que les gens puissent faire la même chose et prendre les vêtements qu'ils veulent. À quel point cela serait-il rad?
À un moment, en particulier, où les entreprises des candidats ont été impactées par COVID, c'est une force puissante. Bien que ce ne soit pas un sujet de conversation constant, les réalités de la pandémie et le lourd poids émotionnel que les concepteurs portent à cause de cela sont présents tout au long de la saison.
Contrairement à la première saison, lorsque les candidats ont été surpris d'apprendre ce qu'était l'émission – ils n'avaient aucune idée du voyage, du million de dollars ou de l'élément amazonien – la récolte de cette année a été regardée et a appris de ce que ce groupe avait fait. De plus, ils savaient ce que cela pouvait signifier pour leurs marques à une période si difficile de l'entreprise. Les enjeux sont pratiquement sur le mont Everest.
"Je pense que l'époque dans laquelle nous vivons a eu un impact sur la façon dont nous nous habillons et dont nous vivons notre vie", dit Harlow. "Je pense que c'était vraiment génial de s'éloigner de ce à quoi nous avons été confrontés pour filmer ce spectacle parce que c'était un moment pour ces concepteurs de vraiment sortir de cet espace libre et dans un espace plus créatif et proposer de nouvelles idées pour quand nous sortirons enfin de ces funks.
L'émotivité de la pandémie déclenche une conversation intéressante avec Gunn. Parfois, à tort ou à raison, les gens pensent à la mode comme une évasion, ou un privilège, ou même léger et stupide. Mais cette saison de l'émission aborde des problèmes tels que la pandémie, l'inclusivité et les réalités du monde d'une manière que les personnes qui rejettent la mode pourraient ne pas reconnaître.
« Quand j'enseignais, je faisais une distinction entre les vêtements et la mode », dit-il. « Nous avons besoin de vêtements. Nous n'avons pas besoin de mode. Nous le voulons. Nous avons une ferveur pour cela. Mais nous n'en avons pas besoin. Et la principale différenciation pour moi, c'est qu'avec la mode, c'est une jauge barométrique de notre société et de notre culture. C'est historique. C'est culturel et sociétal et c'est économique. La vraie mode doit donc refléter ce qui se passe.
Quand lui et Klum ont commencé à faire Project Runway en 2004, ce fut une expérience marquante dans la mesure où, pour la première fois, ils montraient comment les créateurs de mode créent leur travail. Lorsque le couple est parti, c'était parce qu'ils avaient une vision de ce que devrait être une évolution de cette expérience, une vision qui n'était pas possible sous les contraintes du modèle Project Runway : un spectacle, dit-il, « qui était pertinent pour le courant l'industrie de la mode, qui ne peut pas être qu'une jolie robe.
« Il doit vraiment s'agir de l'ensemble du marketing et du merchandising, des affaires, de la vente au détail, de la publicité… tout cela. Si vous voulez être un designer à succès, vous devez avoir une marque.
La pandémie a forcé un réexamen de la mode et des vêtements sur tous ces termes. Maintenant, avec Making the Cut et son accent sur l'image de marque et la commercialisation - le mariage entre la haute couture et l'accessibilité - nous pouvons voir les premiers fruits de ce qui est né de cette réflexion.
Disons, par exemple, Tim Gunn portant un pantalon de survêtement.
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